“徐肖冰杯”评委座谈实录（摘录）

王诗戈 · 发表于 2013-4-7 22:57

诗戈按语：“徐肖冰杯”全国摄影大展已经举办到第二届，它正在中国摄影界发挥着越来越大的影响力。这里贴出的是第一届评选结束后评委座谈会的部分内容。原文较长，贴出的只是一小部分，当然希望大家能去阅读原文，获得对座谈会的一个较完整的理解，同时也许会碰撞出更多的头脑火花。

全文收录“徐肖冰杯”评委座谈会内容。通过此次座谈会，将“徐肖冰杯”全国摄影大展将来应呈现的形式及中国摄影和中国摄影界的现状、发展趋势等做出了探讨。

      王郑生：我们今天采取漫谈形式开个座谈会，聊聊天。话题缘起“徐肖冰杯”全国摄影大展，这个大展将来应该呈现的形式，本次评选做到的程度，以及中国摄影和中国摄影界的现状、发展趋势等。想到什么就说什么。

      刘树勇：艺术类的评奖，我认为结果比较常态化，特别是大奖中的五组，显现了中国当代艺术类影像实践的一些新经验、新文本，还是不错的。比如李林的《湿地》和王远凌的《江》两组，视觉形态上强调对现实景观的个人化表达，企图描述出当前社会剧变情境之下人与自然的冲突与复杂关联；杨文洁的《一间她自己的房间》则是一组具有私密化特征的女性生活状态的影像；隋志杰的《诗山河考》是借用《诗经》的文本资源，以影像语言予以诗化重现，带有一点儿文化考古的意味。这三种表达倾向，是近十年来中国摄影实践当中，特别是在年轻一代摄影师的影像实践当中特别突出的一些倾向。不仅可以让我们看到中国当下摄影在关注方向上的一些重要的转移，同时也在观看方式和影像的视觉表达方式上，显现出一些新的试验形态及可能性。我们这个艺术类的评奖过程将这样一些重要的倾向和表征显现出来了，这是很值得看重的。如果一个摄影的奖项不去关注当前摄影发展的一些新的特征，只是固守大家已经习惯的一些认知和理解，没有将这些新的表现在这样一个专业化的奖项中显露出来，这个评奖就是失败的，甚至是没有任何价值的。

      常河：作为一个摄影记者，当下对一个新闻命题、事件的关照最初更多停留在视觉好奇心上，包括好多年轻摄影记者开始模仿拍摄，也是停留在视觉好奇心上，这个好奇心也是新闻摄影的原动力。对很多感觉很好的照片，感觉很超现实的照片，我们往往又说不出为什么，这是大家一个普遍的困惑。就是这种视觉好奇心的停留，导致我们很多照片在视觉表达上没有突破。这种突破除了对照相机和照相技术的应用，更多是对整体照片的把握。
      我在这里是资历最浅、最年轻的，理论建构还不够，这些只是我比较机械的分析和总结。通过这次评选，我发现我们的年轻摄影师还有很多有待改善之处，或者说不足的地方。太多时候我们停留在视觉好奇心上，关心相机和技术却不能很好地运用它们解释题目并表达观点。特别是对于比较大的题目，一拍就需要几年的那种，如果摄影师不能明确地知道自己要表达什么，不能拍摄一个题目研究一个题目，并很好地把对事物的理解和表达结合好，结果出来的东西就会苍白无力。
      还有，对于照片的理解和解读，我们更多的时候忽视了社会人类学、历史文化意义和经济政治层面的解读和阐释。这可能因为我们读书不够多，对社会的认识也不够深刻。这两天，跟孙京涛老师聊，就说现在很多年轻人、很多年轻新闻摄影记者拍摄的东西更多是个人的表达，而没有上升到更深广的层面，这就与我们长期停留在视觉好奇心上有关。正是由于缺乏对照片以上三个层面的解读，我们照片的新闻价值得不到很好的阐释。所以，我认为专题摄影就像做社会的切片一样（像图表中所标示的），一刀下去，要尽可能多地涵盖各个层面，让整个专题获得更多被解读的可能。

   任悦：这是我第一次参加一个严肃的摄影作品评选活动。我想将之称为“评选”而不是“比赛”，因为评委所达成的共识是，不对作品的外在形式做简单的好与坏的判断，而是站在对摄影语言的探索和对社会现实的观照的角度，对作者的摄影创作进行综合考量。让我收获最大的是这个“评”的过程，而不是“比”的结果，获奖者并非是简单的“比赛的胜出者”。
   从历史上看，艺术工作者，一直在研究摄影本体语言的特征，从19世纪画意派的模仿绘画开始，到20世纪初期直接摄影派专注于建立摄影自己的语言法则，而后到60年代人的觉醒，艺术家又开始关心摄影作品中的“超摄影”部分，从哲学、社会学和心理学等各个层面对摄影作品中蕴含的多重关系展开探讨，比如对当权者掩盖照片的片面性，用照片蛊惑受众予以揭露，针对消费文化中泛滥的视觉欺骗做了尖锐的嘲讽等等。而在艺术家探讨摄影语言的进程中，纪实工作者也逐渐地意识到摄影的缺陷，他们有的开始通过长达几年，甚至十几年时间的文献积累，并辅以大量文字资料，以此来描述事实，接近事实，而有的人则放弃了给读者一个客观真实的努力，偏于表达自己内心的现实。
      所以，到今天，摄影是怎样的一种媒介，对它的本质的探讨已经告一段落，艺术界在“这张照片是一个谎言”之后还没有什么振聋发聩的新的言论。当下，严肃的摄影艺术工作者和有良知的新闻纪实工作者，他们在对摄影语言本体的认知上，其实已经没有差别。体现在大家都可以看到的一个事实上，现在有的摄影艺术工作者似乎也在做纪实，而有些纪实工作者的作品似乎也很艺术。如今，我们又回到了一个起点：你究竟要用这个媒介来说什么？
      对于强调摄影“艺术”和“纪实”的分野的论调，我认为要警醒的是那些站在喧嚣之处谈论艺术的摄影和纪实的摄影的差别的言论，有一些是出于功利主义的需求，比如，为了一个画廊售卖产品的需要。

   刘树勇：经过一个长时期思想禁锢和知识匮乏的阶段，上个世纪70年代末改革开放初时，国人的思想进入一个活跃期，大家如饥似渴地汲取知识，疯狂地阅读西方美学经典，阅读李泽厚的《美的历程》、朱光潜的《西方美学史》等等，谈论审美的愉悦，谈论美感。从表面上看过去，这个阶段仿佛是一个与西方古希腊以来的美学理念和历史记忆重新建立连接的过程，其实只是国人反驳此前那种意识形态化禁忌，为自己在现实日常生活当中变得更漂亮、享受更多样化的生活方式寻求合法化的一种努力，是有很强的世俗功利目的的。因此，这一时期国人关于美、关于艺术与美的关系的理解相当简单粗糙。这种理解延续到摄影界来，直接导致后来摄影行业、摄影人对视觉美感的高度推崇。人们普遍认为，一件艺术化的摄影作品首先应当带给人们以视觉愉悦的享受，也就是所谓的具有美感、漂亮。这种观念放在今天来看，显然是太粗疏了。
   观察一下这次评选的结果，我们会发现，现在许多年轻摄影师在这一方面做出了许多可贵的探索。他们直接跳过了我们迷恋古典美学甚至误读和庸俗化地利用古典美学那个阶段，直接接续了上个世纪70年代以来世界摄影艺术发展的基本大势，这是非常值得重视的一个现象。他们的很多作品已经成为世界各大艺术展览会上的宠儿，也从一个侧面证实了这一点。我们在这个奖项当中将这样的作品推举出来，正是基于我们对整个当代中国艺术摄影生态的一个了解，这一点是非常重要的。
   我们这些四十多岁以上的人，从知识构成角度来说，基本上是通过阅读成长起来的一代人。这样的一代人会特别看重一幅画或者是一幅照片中的内容、意义。

      王郑生：追求定义——被文字化的、可被言说的意义。

      刘树勇：对。文字是观念性的语言。对文字性作品的持续阅读，让我们看待任何作品——甚至那些抽象艺术作品时，都会努力地去追求它的现实意义所在。但是今天的年轻人不同，他们处在一个观看充斥着生活方方面面的时代，观看的经验远远大于阅读的经验，这会导致他们的知识结构与我们那个时代明显不同。观看经验会导致对事物理解的浅表化、平面化。我们这一代人看年轻人的影像时，会觉得没内容、不深刻，甚至会排斥这样的影像。其实这是两代人知识构成的不同造成的一种冲突。你想一想，影像已经无处不在，产品的包装、广告充斥了我们的城市和身边。电影、电视、网络，光电闪烁明灭之间，无不是影像的流动聚散。自然的现实已经被影像呈示的视觉景观覆盖和替代了。这是一个完全影像化的景观化的现实，是我们的前辈从未面对过的一个崭新的社会现实和生存现实。面对这样一个复杂多样的现实，怎一个“美”字了得？美显然不是这个现实世界最重要的属性，更不是唯一的属性。同样，固有的单一的影像语言方式也已经不能充分地呈现这样一个现实世界。如果你能明白这一点，你就会理解，对无处不在的那些移动影像的观看经验，必然会导致年轻人对移动影像的敏感，他们拍出一些虚糊糊的影像就很正常。这不是说你已经老了，他们还年轻，而是世界变了，现实事物已经与过去不同了。我们要做的事，就是正视这个新的现实、理解这个新的现实，并且让我们的影像表达积极跟进这样一个新的现实。尽管这样一个奖项的评选不能囊括所有的影像形态，但所有评委能够觉察到自己的判断惯性，对自己的局限性有一份自我检视的警觉，通过自由的交流共同建立一个更为宽阔的学术视野，大家对一些具有实验特征的影像文本怀有理解的热情，这种姿态，就会让一次影像评选活动最终能够产生一些具有建设性的意见。

   孙京涛：对摄影本体语言的探讨，上世纪五六十年代美国人在理性推动下的个人创造我特别喜欢。比方说视觉转换，《哈泼市场》（Harper's Bazaar）杂志传奇的艺术指导亚历克赛·布罗多维奇（Aexey Brodovitch）曾经让学生把一张纸剪一个四方的洞出来，然后让学生拿这个去观看，目的就是把平时用眼睛的观看转换成摄影的观看。
   还有一个日本籍摄影家宏（Hiro），他申请给《哈泼市场》拍照，对方考验的方式就是扔给他一只女性的红色高跟鞋，让他就这个鞋拍出10张照片来。宏拿着鞋就回去，连着拍了几个月。对方看了说“你可以给《哈泼市场》拍照了”。这就是说，宏研究了用什么的语言表现好这个鞋，而且研究得不错。
      而反观自身，无论我们的高校摄影教育还是摄影组织，并没有在视觉语言自觉建立上做出太多的贡献。因此，探索与理解并建立视觉自觉，是个非常大的问题，更不要说像常河说的那样，从视觉好奇心到社会人类学、历史文化意义和经济政治层面的解读。本体语言不解决，以后的还远远达不到。
   我的理解，艺术最起码的标准是艺术家个人以独特的眼光和独特的方式表达公共的想象。而现在很多摄影人，特别是年轻摄影人的影像别人看不懂，可能他自己也不懂，很大的原因是他们的表达离公共想象还有相当的距离，用传播学大师宣伟伯的话说，是脱离了“共同经验范围”。

   刘树勇：当然，摄影远比我们了解的要丰富，很多人都希望自己的照片看上去有价值有意义，否则他感觉对自己的劳动没有个起码的交代。但他对摄影的理解又很简单，他拍了很多很好的照片，但是自己将自己的理解加进去，又把照片的涵意弄错了。比如我们这次看到的很多有关云南元阳梯田的照片，很多摄影师或者摄影爱好者都是当作艺术摄影来拍来理解的。你看看那些照片起的标题就知道他们多么相信这些照片就是作为艺术的摄影作品！这背后的原因当然有很多，值得找个机会细细来谈。从引导的角度来说，我会告诉他们这些照片其实挺棒，但你的理解和功用却搞错了。比如这些照片完全可以作为地理图像志来看待和使用，你可以用非常朴素的文字，详细地介绍元阳梯田的方位、海拔、一年四季中的气候形态、耕作方式、产量如何、它的历史成因等等。如果你作出这样一番详细的描述，这张照片就会传达出非常重要的信息，会赋予这样一张漂亮的照片以非常重要的价值。所谓地理图像志，所谓美国国家地理当中使用的照片，不就是这个样子吗？错的不是照片，错的只是我们对于这张照片的理解。如果我们做出这样的引导，这种伪艺术照片泛滥成灾的状态就可能会有所改善。我这也可能是一厢情愿吧？我也不知道。

   陈小波：中国摄影者处在千年不遇的时代大变革中，全世界的摄影人都羡慕中国摄影人能亲历甚至记录这样的变革。但是中国摄影人在这几十年来所做的不少事情令人难过、痛心。我参加过的大小评选，结果大都令人失望：陈旧的表现方式、做作的光影、对社会生活的粉饰、空洞的笑容、无聊的跑和跳，大漠、梯田、滩涂，腰鼓、灯笼、舞狮，扎堆拍摄，没有独行，千篇一律，只怕和别人不一样，被人称作“糖水”、称作“恶俗”却浑然不觉。这样的图片充斥着每个奖项。看到这样的照片就似乎能看到摄影人叨扰百姓、折腾自然的情形。摄影者越来越少尊重、体恤、感恩、庄严这些概念。每次评选，评委们都需要拨开重重叠叠的“美”得令人焦虑的照片，才能找到少的可怜的好东西。

   曾星明：摄影有不同的目的，摄影也有不同的样式。不同的摄影目的对应的是不同的摄影样式。对中国传统艺术理念及西方古典主义美学的粗疏理解及传播等原因，经多年的孕育生长，时下，仅呈现美感的摄影作品蔚为大观，从众也最为庞大。仅呈现美就是艺术了吗？在当下的语境来看，应该不是。但从古典主义、浪漫主义到现代主义、后现代主义等，对艺术的认知也处在流变之中。问题是在全民摄影的今天，对自然、对对象的拍摄复制而仅呈现美感的摄影样式，因摄影器材技术的发展等，变得简单容易，多数人都能拍到拍好，同质的照片层出不穷，内涵单一，千人一面，审美疲劳了，这成了问题。与此同时，对公共话题发问、对个人感受表达的摄影样式，成为了当代社会的需求，符合当代艺术的认知，彰显艺术探索，相比之下，其操作的难度大是显而易见的。

   陈小波：我觉得这也是一个最好的范例，就是要通过这样的评选告诉大家，评委都是有观点、有立场的人，我之所以选择这样结果，就是要为此负责的，坚持自己的艺术主张。

   孙京涛：我为什么说我们这些人坐在一起评奖本身就是个奇迹？因为我感觉我们这些人起码有三个特点。第一，我们肩上都扛着个理儿，这就是学理。在整个评奖过程中，我们不按经验判断，而是按学理来判断。第二，“好为人师”，对那些不明就里的摄影师总想告诉他什么是对的，什么是错了，而且特别着急。第三，我们对“徐肖冰杯”的价值标准惊人的一致。比方说，我们认为这个奖项不应该是个终点，而应该是激发摄影师思考和努力的起点。这就要求获这个奖的摄影师和他的摄影作品必须具备三个要素：在社会价值和历史价值上要深度关注社会；在摄影本体上要有创新性的语言探索；在对当下摄影师的引导上要有启发性和借鉴意义。我相信大家自始自终都在秉持这样的标准评价摆在我们面前的这些参评作品，没有私心杂念。我们所有的讨论都是基于一个道理之上的，我们面对每幅作品的争执都是希望最大可能地呈现它的价值，而无论正面的还是反面的经验，都希望对摄影师自己以及别人产生有实效的启发。我相信评委的态度和专业水平也是构成一个奖项核心价值的一部分。很大程度上，为别人评奖，也是在检验我们评委的水准。只有这个水准高了，这个奖项才能起到真正的引导作用。

   王郑生：面对数以百万计的摄影者，我们这次评选的过程和最终结果，在已经形成某些惯性思维的摄影界必然会引起一些震动。刘树勇教授说过一句话，“未经阐释的历史不是历史”，我们可以套用过来说：“未经阐释的评选结果不是结果”。与其他一些评奖相比，更需要去阐释，阐释我们举办这个影展、设置这个奖项的宗旨，阐释我们评出这个结果、让这些作品入选和获奖的理由，最终来影响摄影界、推动摄影界。
   在摄影百花园中需要有不同的花朵，需要有不同的色彩。中国摄影家协会举办的摄影活动，于面向大众的全国影展、国际影展之外，也需要有面向一定人群和内容，更具职业化、专门化、学术性的摄影展览。“徐肖冰杯”全国摄影大展的存在将具有特殊的意义。

   文章来源： http://www.cpanet.cn/cms/html/zixun/jiaoyu/20101021/48997.html

   （文中观点不代表转载者意见）

王诗戈 · 发表于 2013-4-7 23:08

王诗戈 · 发表于 2013-4-8 16:03

评委会上有评委提到几组艺术类获奖作品。下边贴出王远凌的《江》。

王诗戈 · 发表于 2013-4-8 16:05

王诗戈 · 发表于 2013-4-8 16:07

王诗戈 · 发表于 2013-4-8 16:08

王诗戈 · 发表于 2013-4-8 16:16

王远凌《江》评委会评语：       一些年轻摄影师镜头中风景的模糊和隐晦的呈现并不能称得上是一种艺术的表达，因为其缺乏对摄影媒介的思考和对社会现实的独特观看。
      而王远凌的作品代表着他们这一代人的观看，这是一种纯粹的表达，独立于传统的风光摄影流派之外，同时也独立于被热捧的中国当代艺术之外，并非是学院教育的结果，完全来自于自我的探索以及年轻人小圈子之间的互动。
       德国摄影家托马斯·鲁夫（Thomas Ruff）在一次接受访谈中被问到：“为什么摄影在艺术领域中变得如此重要？”他的答案是，“这是一代人的问题，我们这一代人，也许包含上一代人，是在摄影中成长起来的一代人，电视、杂志，这些环境是百年之前未曾有过的。摄影因而成了西方世界一种最具影响力的媒介。今天，你不需要学会绘画而成为一个艺术家，你可以使用照片来表述现实，追求客观，甚至也可以创作抽象的摄影，它随即成为一种非常自发的表达。”
       这位出生于1958年的西方艺术家所经历的一切，正是中国年轻一代摄影师当下所面临的现实。我们愈发感觉到，他们对这一媒介的热爱，源自一种对自我探寻的需要，摄影这一日趋民主的技术，使得他们在某种程度上实现了超越体制的自治。
       回到王远凌的作品，有关重庆的摄影作品，在西方艺术界频频出现，最为出名的是英国摄影师纳达夫·坎德尔（Nadav Kander）获得Prix Pictet（环保摄影奖）摄影奖的那组照片。而王远凌的照片，并没有刻意去表现西方摄影师眼里重庆的钢筋水泥建筑与人之间的反差，也没有用黑白影像拉开作品和观者之间的距离。作为一个重庆本地的摄影师，他对朝天门码头上人和江的关系展开了细腻的描写，在一次又一次的江边观察中，作者试图把握的是人与河流之间所存在的天然联系，慨叹的是其即将逝去的可能。
       这些照片如平常模样，却又并非如此。

王诗戈 · 发表于 2013-4-8 16:22

下边贴出艺术类获奖作品杨文洁的《一间她自己的房间》：

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“徐肖冰杯”评委座谈实录（摘录）

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